Hannah Montana fue la responsable de criar a toda una generación y además, de catapultar a la fama a Miley Cyrus. Después de 15 años de que comenzó todo el proyecto, Miley le escribe una carta a su “alter ego” dándole las gracias por el camino recorrido y aquí te contamos los detalles.
15 años después, sigue dando las gracias
*Alexa pon «Best of both worlds» a todo volumen*
Una adolescente con un secreto que esconder, se convirtió en la serie más exitosa de Disney de todos los tiempos. Estrenada el 24 de marzo del 2006, se convirtió en todo un ícono de la televisión y también, en el trampolín enorme que llevó a Miley Cyrus a los spotlights de Hollywood.
Con 6 años de filmación, 4 temporadas filmadas, conciertos en todo el mundo y 160 capítulos, se convirtió en el foco de atención principal de toda una generación. Ahora, Miley en agradecimiento le escribió una carta a “Hannah Montana”, profesándole amor eterno y recordando algunos de los momentos más bonitos y también, los más difíciles que vivieron juntas.
“Hola Hannah, ha pasado algún tiempo. 15 años para ser exactos desde la primera vez que me puse esa pollina rubia sobre mi frente, en el mejor intento de concebir mi identidad. Después, me puse una capa brillante con “HM” en el corazón. No sabía en ese momento, que ahí es donde estarías para siempre.No solo en mi corazón, sino en el de millones de personas alrededor del mundo. Aunque tú eres considerada como un álter ego, en realidad, hubo un momento de mi vida cuando tu tenías más de mi identidad en tus manos que yo en las mías. Tuvimos un intercambio equitativo, donde tú me diste una cantidad de fama a cambio de la anonimidad que yo podía darte. Pero, mucho ha cambiado desde ese momento. Tu fuiste como un cohete que me llevó a la luna y nunca más me bajó. No podía imaginarme que, cuando cantaba “I love rock&roll”, en una pared blanca en la cocina de una amiga de mi mamá en Nashville, el nombre escrito en marcador de una carta frente al borrador de un guion, podría hacer mis sueños más locos una realidad.
Aseguró que los miembros del cast se convirtieron en su familia.
Tú y yo hemos pasado por todo juntas, mi amiga. Hemos compartido muchas primeras veces y muchas últimas. Altas y bajas. Lágrimas y risas. Perdí a mi Pappy, el papá de mi papá grabando uno de los episodios de la temporada uno. Él quería esperar lo suficiente para ver el estreno el 24 de marzo, pero murió el 28 de febrero. Él vio el comercial que grabé para High School Musical y me dijo que era uno de los momentos más lleno de orgullo de su vida. Mi corazón estaba roto pero lleno de orgullo de que podía llevar su nombre al lado de cada crédito. Experimenté enamorarme por primera vez en esos años. Vergonzosamente comencé mi periodo en unos pantalones blancos capri, cuando obviamente tenía una cita con un niño lindo en un almuerzo. En lugar de ir, pasé todo el día en el baño con mi mamá, llorando y buscando un nuevo par de pantalones. Gané muchos amigos en esos 6 años en el set. Emily Osment, Michael Mussot, Jason Earles se convirtieron en mi familia y los veía más que a la mía propia”, comenta en la carta.
Continúa diciendo:
El último episodio fue titulado apropiadamente “Wherever I go”, por la última canción de la sensación del pop. TU, ¿yo? Hannah Montana. El primer verso dice: “Podremos estar separadas, pero espero que tú siempre sepas que estarás conmigo a donde quiera que vaya”. Hannah, espero que me escuches y me creas que estas palabras son verdad. Tienes todo mi amor y toda mi gratitud. Respirar la vida contigo en esos 6 años fue un honor.
*Secándonos las lágrimas*
Estoy en deuda no solo contigo Hannah, pero con todas las personas que creyeron en mi desde el principio. Tienen toda mi lealtad, mi apreciación profunda hasta el final. Con toda la sinceridad, les doy las gracias. (…) No pasa un día en donde no recuerde de donde vengo. Un edificio en Bunbank California, con un cuarto lleno de gente con el poder de hacer realidad mi destino y eso es lo que hicieron. Ellos te entrgaron a mí, el mejor regalo que una chica pudiera pedir. Te amo, Hannah Montana. Siempre, Miley”.
La base para el desarrollo de un país potencia es la unión, las alianzas y las colaboraciones que se crean entre cada uno de sus exponentes. Mediante estos estrechos lazos se busca impulsar o expandir las posibilidades de un mercado en consumo de un elemento en especial. Justo como lo que realiza la Corporación Capi, una marca manufacturera que dispone de sus productos para el crecimiento de medianas y altas empresas.
Corporación Capi: excelencia que la precede
En nuestro país existen marcas que son referencia en todo lo largo y ancho de nuestro territorio, marcas reconocidas por su buena calidad, variedad de opciones y diseños que se adaptan a la necesidad de cada individuo. Una de ellas es la Corporación Capi.
Dicha empresa se ha dedicado, por varios años, a la manufactura y comercialización de productos y soluciones acordes, que han sido dispuestas en pro para satisfacer las necesidades del mercado. En este sentido, estamos hablando de un emporio matriz de donde se han creado alianzas con clientes, proveedores, empresarios y emprendedores. Esto con la idea de impulsar o expandir su estampa en cada rincón venezolano.
Sin duda alguna, en algún momento hemos escuchado o visto algunos de los artículos que son símbolo de Capi. Tales como: los bolsos, loncheras, cartucheras y una gran cantidad de propuestas para los útiles escolares de los más pequeños. Así como también podemos encontrar distintas categorías como hogar, accesorios, botellas, vasos, almohadas y demás.
De esta forma, Corporaciones Capi se ha convertido en un fuerte aliado, que nos ha acompañado año tras año durante nuestro crecimiento. Desde que estábamos en la escuela, en nuestras aventuras, en la universidad y, ahora, en nuestro rendimiento diario.
Una oferta amplia que abarca todas nuestras necesidades
Por ello, la firma se ha dividido en distintas categorías.
Capi, la selección preferida para los niños
La primera, y la más conocida, es la denominada Capi®, una de las principales identidades de esta corporación. La misma ha sido la opción preferida por el público para satisfacer el área infantil, ofreciendo un sinfín de opciones capaces de generar las más amenas experiencias de consumos.
Exodus: ideal para los jóvenes adultos
Por otro lado, nos encontramos con la elección certera para los jóvenes adultos. Se trata de Exodus®, la marca pensada para los estudiantes, deportistas y todos aquellos que estén en esta onda juvenil. Dicha categoría ofrece productos en tendencia, desarrollados bajo el sello de la moda fresca, variada y versátil.
Morrales, bolsos térmicos, bolsos deportivos, maletas de viaje, fundas porta laptop, entre otras cosas; son algunas de las opciones que se ofrecen en Exodus® de la corporación.
Exodus Street, dominando las tendencias actuales
A su vez, no podemos hacer a un lado de su más reciente propuesta: Exodus Street®. La misma se enfoca en las tendencias actuales que dominan el mundo, teñida por elementos como la tecnología, el arte urbano, la innovación y la irreverencia.
Es así, como se ha producido una línea dirigida al individuo de hoy en día, arriesgado, versátil y dinámico. Una selección que se ve amenizada por artículos como: morrales tecnológicos, con diseños de alto impacto y de nombres reconocidos. The Simpsons, Marvel, Transformers y Star Wars dan vida a esta gama de opciones.
Una marca que se parece a ti
De igual forma, en la Corporación Capri se encuentra otra categoría disponible y que ha hecho de la marca toda una propuesta feroz. Se trata de la producción y el desarrollo de productos especiales personalizados, un servicio especializado para empresas que necesitan de un producto de alta calidad, funcional e idóneo para representar sus bases como empresa.
El ingenioso abanico de propuestas va desde obsequios corporativos, hasta regalos publicitarios Premium. Entre ellos: morrales, estuches, cavas, bolsos, bolsas, loncheras y demás. Siendo la imaginación un cielo sin barreras.
Amoldados a la realidad actual
Como era de esperarse, y adaptados a la realidad actual; el emporio creó una serie de productos que se contrastan con el tema de hoy en día. Por eso se han ideado una serie de elementos de bioseguridad, que se amoldan a las dinámicas de nuestro día a día.
Mascarillas desechables, reutilizables, caretas protectoras para jóvenes y adultos, entre otras cosas; son algunas de las estrellas de una nueva faceta de Capi, que posee 49 años con su sello de buena calidad.
Corporación Capi es sinónimo del trabajo del venezolano
En definitiva, Capi es una de esas marcas que llevan consigo el orgullo venezolano, pues en su trasfondo posee a un equipo totalmente comprometido y soñador que, día tras día, tiene como objetivo final crear propuestas y alternativas que se adapten a nuestra realidad. Facilitando nuestras vidas de una forma innovadora y llamativa.
Si deseas conocer más sobre la marca, te invitamos a ingresaren la página web de Corporación Capiy, de esta forma, conocer todos los productos disponibles. O bien, puedes seguirlos mediante susredes sociales.
Wawawiwa Design describe sus libros como abrazos visuales, ahora Eduardo López, ingeniero y productor de sonido venezolano, lleva la experiencia a otro nivel diseñando un soundtrack pensado exclusivamente para la experiencia de “When Sharks Attack with Kindness”. Aquí te contamos los detalles.
When Sharks Attack With Kindness
El libro actualmente solo está disponible en inglés.
No hay mayor ejercicio para la imaginación que abrir las páginas de un libro, pero ahora, la experiencia puede volverse aún más estimulante para los sentidos con el nuevo proyecto de Eduardo López y Wawawiwa Design.
Inspirándose en el cómic más reciente de Andrés Colmenares “When Sharks Attack with Kindness” (Cuando los tiburones atacan con bondad), Eduardo López creó un soundtrack que busca ponerte en el mood correcto para disfrutar del libro.
Como si de una experiencia cinematográfica se tratara, ahora podrás elegir entre diferentes canciones, todas en el mood del tiburón amable mientras lees sus aventuras y desventuras. “Crear un proyecto que apoye a un libro como el de Wawawiwa , sin que distraiga al lectos fue un reto muy bonito”, comenta Eduardo.
El soundtrack está hecho para ser un acompañamiento que estimule los sentidos de quien lo escuche mientras lea. “Es un proceso muy interesante, ya que los niños tienden a ser muy perceptivos no solo en la parte visual, sino auditiva también”, explica. Para poder diseñar cada pieza, se inspiró en lo que la historia lo hacía sentir.
“La manera en que abordé este proyecto fue sencillamente pensar cómo se escucharía el ambiente de cada caricatura y cómo me hace sentir«, comenta.
Algunos de los ejemplos que puedes encontrar en el libro.
Eduardo López es uno de los ingenieros y productores de sonido más exitosos de nuestro país. Ha trabajado con grandes casas disqueras como Sony Music Latin, Universal Music Group y también, con productoras audivisuales como Nat Geo Kids, Sony Pictures Television, Amazon Prime Video, etc. Para él, la música es fundamental en todo lo que hace.
“Todo lo que hago lo relaciono con música. Hasta cuando me toca días de hacer trabajo de «oficina», como enviar e-mails, armar presupuestos, etc. Siempre que hago ese tipo de trabajos estoy escuchando música”, explica, es por esto que crear un acompañamiento musical para un libro de cómics le pareció una idea interesante y estimulante.
Para poder lograrlo, trabajó en conjunto con Andrés Colmenares (el creador y caricaturista de Wawawiwa Design) y Diego Ávila. “Diego, aparte de ser co-productor, compositor y arreglista de este proyecto, hemos trabajado juntos desde hace varios años”, comenta por lo que la compaginación de las ideas surgió maravillosamente.
¿Cómo nació cada canción? Andrés Colmeranes, el creador del cómic le exponía cada una de sus ideas a Eduardo sobre el mood que quería lograr y él, junto a Diego, trabajaban en la creación.
“Diego me enviaba un fragmento para saber si estábamos en la misma página. Después que se tenía ese mood, él seguía estructurando la composición general bajo ciertas guías mías sobre instrumentación, efectos de producción, etc. Después de ese proceso, mezclé las canciones y finalmente se enviaron a masterizar”, explica.
La idea de cada canción, es que te sientas en el fondo del océano acompañando al tiburón. “Mi parte favorita del proyecto es definitivamente desmitificar un poco el tiburón como un animal malo”, dice sobre las aventuras del tiburón amable.
¿Cómo unificaron el libro con la música? La idea del proyecto es que tanto la música, como el libro, estuvieran en una misma página. Es por esto, que al abrir el ejemplar del libro, aparece un código QR que te lleva a una lista de reproducción que tiene todas las canciones. “También pueden buscar a Wawawiwa Music en cualquier plataforma de streaming para escuchar la música, que se puede digerir casi como música de relajación y meditación”, asegura Eduardo.
Es una idea extraordinaria unificar el poder imaginativo de un libro, con un acompañamiento musical. ¡Enhorabuena!
Guiado por los celestes azules de nuestros cielos, mares y montañas, incentivando a una emocionante aventura; la maison Montblanc acaba de presentar su nueva fragancia: Explorer Ultra Blue. Un perfume que nos invita a vivir la más pura naturaleza mediante aromas que nos transportan hacia los lugares más icónicos de la marca. Acá te contamos los detalles.
El ADN de Montblanc traducido en una sinfonía de aromas
Caracterizada por tener un espíritu aventurero en un constante camino de exploración, la firma de lujo Montblanc nos abre, nuevamente, las puertas hacia un mundo en donde la mayor virtud es esa estampa de valentía, traducida a una fragancia que recoge lo más significativo de su ADN.
El Explorer Ultra Blue continúa con la línea conceptual de Montblancde invitarnos a su ferviente exploración mediante sus fragancias
A través del color azul del cielo, el mar y los picos montañosos cubiertos de hielo, que son símbolos de un horizonte repleto de nuevos retos a cumplir; la marca ha develado su nueva propuesta. El Explorer Ultra Blue se une a la cartera de opciones que posee dicha firma para el disfrute del público.
Mediante una rueda de prensa, de forma digital, que se realizó ¡En Vivo! Desde París, Francia; los medios de comunicación de todo el mundo pudieron conocer de primera mano las particularidades de esta innovadora propuesta.
Es importante acotar que el Explorer Ultra Blue se une a la línea de Montblanc Explorer, misma que fue lanzada en el 2019 como un tributo a la pasión de la maison por la exploración y el patrimonio. Pues se trata de una compañera que ha sido clave fiel para los exploradores durante casi 115 años.
El meeting contó con la presencia de algunos representantes de la marca, entre ellos sus perfumistas y creadores. Jordi Fernández, Olivier Pescheux y Antoine Maisoindieu de Givaudan, fueron los encargados de dar forma a esta propuesta, mediante notas con tintes silvestres, cítricos y acuáticos.
Explorer Ultra Blue: la oda a la más pura esencia del azul
Según confesó Atoine, Explorer Ultra Blue es el resultado de una oda al azul de la naturaleza, una fragancia que explora los distintos aspectos que nos rodean. Como son las notas cítricas, amaderadas y marinas que, constantemente, nos acompañan en cada aventura.
De este modo, se ha concebido toda una obra de arte que tiene como protagonista a esos paisajes que estelarizan nuestros días, todos teñidos de ese azul repleto de esperanza, aventura y mucho fervor.
Es así, como en el Explorer Ultra Blue se puede percibir un contraste que, perfectamente, traduce su esencia. Y es que, se realizó una fusión luminosa y cítrica entre la bergamota italiana, la mandarina y con la adición de un toque de pimienta rosa, que le aportó una nota fresca especiada. Una combinación que evoca ese sentido aventurero, que nos recuerdan el frescor de los paisajes alpinos, junto a un toque sutil de brisa marina.
A su vez, estas notas son aludidas con la presencia del ámbar gris, que nos dan ese aire más amaderado y vibrante. Todo en combinación con un singular pachulí de la mejor calidad, el cual crea un efecto terroso oscuro dando como resultado una fina faceta de cuero.
Con la incorporación de cada uno de estos ingredientes, la exploración de Montblanc se manifiesta en su forma más nata, con una serie de técnicas que le proporcionan ese aire tan jovial y moderno que representa a la marca
Montblanc imprime su sello característico
En cuanto al diseño, podemos notar que esta fórmula magistral se encuentra dispuesta en un elegante frasco translúcido, cubierto por una funda protectora que imita al cuero. Esto como una referencia del diseño ingenioso de la fina tradición artesanal europea.
A su vez, el frasco cuenta con el distinguido sello Saffiano, el cual ha sido utilizado en las creaciones de piel Montblanc desde 1926. Además, decorada con el emblema de la firma que fue manufacturado en su fábrica con sede en Hamburgo.
Como guinda del pastel, el envase cuenta con un tapón de metal blanco pulido en forma de rueda dentada, que posee de forma elegante una grabación con el nombre “Montblanc Explorer”.
Elementos sencillos pero que demuestran el fino cuidado y atención de los detalles. Una vez más, la maison imprime su sello en esta propuesta en la icónica estrella, la cual representa las seis laderas glaciales del pico nevado de la montaña epónima.
Paralelamente, el lanzamiento del Montblanc Explorer Ultra Blue viene acompañado por un clip audiovisual, el cual refleja el sentimiento y la esencia del mismo. La obra de arte está protagonizada por el modelo Rein Langeveld, quien es uno de los representantes de la firma por su indomable personalidad, ese símbolo arraigado por la aventura, el relax y la eterna jovialidad.
Con una estética en la que se desdibuja los más finos contrastes azules, Montblanc presenta una campaña intrépida, aventurera y natural
Bajo la dirección fotográfica de John Balsom, en este video se aprecia un viaje épico, en donde se encuentra los azules del cielo, los tintes de un lago y los increíbles contrastes de los picos más elevados de los Alpes franceses. Un conjunto de paisajes que dan forma a este tributo a la belleza natural, mediante una intrépida invitación de adentrarnos a esta aventura llamada VIDA.
Esta innovadora propuesta saldrá a la venta durante los próximos días, tanto en su presentación de 100 ml, como en la de 30 ml. Un tamaño bastante práctico que permite al explorador llevar esa increíble sinfonía de notas a donde quiera que vaya.
Uno de los nombres que, próximamente, deberá pasar al estrado para su juicio final en la gala de los Oscar es la cinta The Trial of the Chicago 7. La reciente adaptación de Netflix que desdibuja un hecho álgido de la vida real a mediados de los años 70. Sin duda, se trata de una de las apuestas más grandes camino a la Academia por lo que, no dudamos, en descoser algunos datos curiosos sobre su producción.
¿En qué contexto se desarrolla?
Dirigida y escrita por Aaron Sorkin, uno de los mejores guionistas de Hollywood; conocido por liderar cintas como La red social, Moneyball y Steve Jobs, ahora llega con esta propuesta que fue escrita por él mismo.
Es así, como le da vida a The Trial of the Chicago 7, un largometraje que refleja el juicio por la muerte de un marine debido a un extremo acto de disciplina. Para ser más específicos, esta cinta basada en hechos reales, narra el juicio de siete activistas que lideraban en los 70 distintos movimientos en contra de la Guerra de Vietnam.
Todo ello en el marco de la Convención Nacional Demócrata de 1968, en Chicago Illinois mientras que, paralelamente, acababan de asesinar a Mather Luther King y a Robert F. Kennedy.
Dicho suceso marco un hito en la historia estadounidense, pues tuvo cierta relevancia mediática en su momento. Además, fue la gota que rebasó el vaso para que cientos de movilizaciones en el ámbito nacional protestaran contra la Guerra de Vietnam.
Indiscutiblemente, Aaron Sorkin fue un experto en cómo abordaría esta temática que, en cierto sentido, es uno de los grandes bochornos del gobierno estadounidense. Pero, el director ha tratado con mano de seda este hecho, creando una estética y un dialogo digno de admirar.
The Trial of the Chicago 7 es protagonizada por un estupendo elenco que le dan vida a toda la producción. Entre ellos: Eddie Redmayne- Tom Hayden-, Alex Sharp- Rennie Davis-, Sacha Baron Cohen- Abbie Hoffman-, Jeremy Strong- Jerry Rubin-, John Caroll Lynch- David Dllinger-, Noah Robbins- Lee Weiner-, y Daniel Flaherty- John Froines-.
5 Datos curiosos que le dan forma a ‘The Trial of the Chicago 7″
Esta cinta es tan controversial que, en este artículo, decidimos repasar algunos de los momentos más relevantes que fueron modificados para la cinta.
La picardia de Hoffman
Una de las estrellas de este proyecto, sin duda, es Sasha Baron Cohen quien encarnó uno de los personajes más controvertidos como lo es Abbie Hoffman. De por sí, este rol fue un agitador radical, que asombraba por su inteligencia, hacía reír al jurado durante el juicio, entre otras características particulares.
Aunque Sasha hizo un papel espectacular, lo cierto es que en el guion de Sorkin hubo ciertos retoques, como otros que fueron realidad. En uno de los instantes en que Hoffman y Rubin comparecen ante la corte vestidos con toga de juez, es un acto que ocurrió en verdad. Así como también es cierto que bajo las togas tenían un uniforme de policía.
Una de las particularidades de Hoffman era hacer bufonadas, un hecho que se vio enmarcado en la cinta. Puesto a que sabía que el impacto de sus actos en los medios y en la opinión pública eran gigantes
Hechos que fueron subidos de tono
Otra de las curiosidades que dan contraste en The trial of the Chicago 7 es que Sorkin tomó el poder para que la relación entre Hoffman y Tom Hayden fuese bastante álgida. Pues aunque existía una evidente diferencia entre ambos, sus posiciones no estaban tan aisladas como en la cinta.
¡ALERTA SPOILER! Durante una de las escenas vemos una gran pelea entre Hoffman y Hayden, en donde éste último llama al otro cabeza de “un grupo de drogadictos, perdedores, mal hablados” y demás. Pero, este hecho en realidad nunca ocurrió.
A su vez, en la cinta se refleja a un Tom Hayden- encarnado por Eddy Redmayne- como un tipo listo y apegado a las formas, prolijo, pulcro y educado. Sin embargo, de acuerdo a lo que informó el Hayden de la vida real, nos da a entender que era todo lo contrario. Pues según informes, se dice que el joven también era estrafalario en su vestimenta, sucio y hasta provocador.
Un típico final de película, más no real
La conclusión de la cinta lo es todo, así como el inicio y el desarrollo, pero siempre el cierre de una producción audiovisual nos da a entender el gran trabajo de su director. Y en The Trial of the Chicago 7 no fue la excepción.
Pues el sorprendente final ¡ALERTA SPOILER! Tiene como protagonista a Hayden, quien hace uso de la palabra para leer lo miles de nombres de los soldados caídos en la mencionada guerra, esto minutos antes de ser sentenciado. Lo cierto es que, en la vida real, esto no sucedió así.
Efectivamente, Hayden tomó la palabra pero no para dar un discurso final
¿Dellinger fue realmente un hombre agresivo?
Por otro lado, nos encontramos con el personaje del activista pacífico David Dellinger, quien fue interpretado por John Carrol Lynch. Su participación en las protestas y su larga trayectoria fue replicada de forma fidedigna, a excepción de algunas acciones que se le agregaron a la cinta.
Como fue el hecho de que Dellinger nunca perdió el control en la corte ni golpeó a ningún guardia. Aunque, claro que sí, fue custodiado en una ocasión por solo ¡Interrumpir a un testigo! Y por llamar “víbora” y “nazi” al abogado de la fiscalía.
Dentro de este panel de 7 juzgados nos encontramos con el líder y cofundador de los Pantera Negra, Bobby Seal. Dicho rol fue interpretado por Yahya Abdul-Mateen, quien tuvo la difícil labor de estelarizar una de las escenas más crudas de The Trial of the Chicago 7.
Se trata del momento en que Sael es esposado a su silla y amordazado, luego de que intentara dar un discurso por el asesinato de Fred Hampton. El juez que deseaba callarlo mandó a amordazarlo, un hecho que sucedió en la vida real. Lo que no fue cierto es que el personaje entonara la siguiente frase: “strongly fuck yourself”. Sin embargo, si fue encadenado y silenciado.
Uno de los instantes más fuertes de la cinta es cuando esposan y amordazan a Bobby Seale para que no pueda defenderse más, negándole su libertad de expresión
En este sentido, nos topamos con una historia bastante fría, con hechos de la vida real que fueron llevadas a la gran pantalla de forma exponencial. Momentos de la historia que nos ponen a flor de piel y nos hacen reflexionar sobre ciertos instantes e injusticas de la vida. Una cinta perfecta para ver el fin de semana y durante estos días de asueto.
The Trial of the Chicago 7 está disponible en Netflix.
Rompiendo récords de precio y de tamaño, una obra del artista británico Sacha Jafri, ha hecho historia reuniendo en una subasta más de 60 millones de dólares. Es considerada la obra de arte más grande del mundo y aquí te contamos de qué se trata:
Traducida al español como “El viaje de la humanidad”, la obra de arte más grande del mundo es obra de Sacha Jafri, un artista plástico británico conocido por su estilo pictórico abstracto y colorido. Con 44 años de edad y una carrera en las artes apenas comenzando, Jafri ha puesto sobre sus hombros la responsabilidad de “unir al mundo” en un solo lienzo y todo parece ir bien.
¿Cómo comenzó el proyecto? En un principio, la obra estaba pensada para ser dividida en 70 maxi pinturas diferentes, que se subastarían de forma independiente con el propósito de llevar el dinero recaudado a fundaciones de caridad, pero su concepto varió con el tiempo cuando se dio cuenta del mensaje trascendental que podía dejar llenando –literalmente-, el mundo de color.
¿Cuánto mide? La extensión de la obra cubre un total de 1.595,76 m2 de superficie, por lo que fue galardonada con el récord Guinnes como la obra de arte más grande del mundo.
¿Cómo la hizo? Realmente la actividad creativa de la obra no depende en su totalidad de Jafri, para poder realizarla, contactó a 140 niños de bajos recursos de todo el mundo, para que crearan pequeños lienzos que él integraría alrededor de toda la creación. Toda la explosión de color esconde mensajes de niños de todo el mundo.
¿Qué quería lograr? Su misión era crear una exhibición llamativa que tuviera el propósito de recaudar fondos para ayudar con el financiamientos de fundaciones que velan por la salud y la educación en regiones menos favorecidas. También por el acceso de agua y la higiene. Él solo quería enviar un mensaje colorido y la vida lo llenó de la mejor sorpresa.
¿Quién la compró? Sacha Jafri planeaba reunir un total de 30 millones de dólares, pero todo dio un giro extraordinario cuando apareció André Abdoune,un empresario francés diciendo que pagaría 62 millones de dólares por toda la demostración.
¿Por qué la compró? «Provengo de una familia pobre y sé lo que es a veces no tener nada para comer, pero sabía que contaba al menos con el amor de mis padres, educación, apoyo. La obra me pareció muy poderosa en cuanto la vi y, para mí, separar los cuadros habría sido un error», comentó al comprarla.
¿Qué hará con la obra? Instalar 1.595,76 m2 de lienzo colorido no es tarea fácil, si bien aun no ha dado detalles sobre lo que planea hacer con su adquisición, es muy probable que la done a algún museo de Emiratos Árabes (donde se realizó la apuesta).
En la cultura hollywoodense existen distintas divas que, a lo largo de la historia, han marcado un hito con su presencia y poder. Como fue el caso de Elizabeth Taylor, la máxima reina de Hollywood que, tras 10 años de su muerte, aún sigue viva a través de sus icónicas frases, acciones y por una estela de hechos que la pusieron en el tope. Es por ello que, a continuación, te contamos su historia.
El legado de una diva que se mantiene vigente
Cuando escuchamos entonar el nombre de Elizabeth Taylor es imposible que no se nos venga a la mente un sinfín de momentos que, a lo largo de su trayectoria, hicieron de esta actriz estadounidense toda una referencia en el show business.
Con sus ojos color esmeralda, Elizabeth Taylor conquistó los corazones de cientos de personas. Una lagra vida que finalizó el 23 de marzo de 2011
Conocida mundialmente por su increíble atractivo sexual, famosa por su carrera cinematográfica teniendo en su haber títulos como Cleopatra o Gigante, así como por su vida sentimental (pues contrajo matrimonio en ocho ocasiones); Elizabeth Taylor se trasformó en una de las voces más feroces de Hollywood para la década de los 50-60, siendo el ojo del huracán de muchas polémicas y buenas propuestas.
Guiada por influencias de su familia, la famosa inició en el mundo del entretenimiento a corta edad. Esto luego de su efímero paso por la Universal o la Metro Goldwyn Mayer, que le ofreció su primer papel en La Cadena Invisible, al lado de la famosa perra Lassie.
Con su radiante belleza que la acompañó hasta sus últimos días de vida, Elizabeth continuó escalando en su carrera, pasó a protagonizar cintas de cierta popularidad. Entre ellas: El Coraje de Lassie, Mujercitas, Traición o El padre de la novia.
La vida de una artista ataviada por el amor y la fama
Paso a paso, y con la desilusión de algunos matrimonios en su vida; Taylor fue madurando y dejando el aura joven y delicada a un lado. Algo que le permitió adentrarse a papeles de mujeres duras que sufren de presiones psicológicas.Ivanhoe, La Gata Sobre el tejado de zinc y una Mujer marcada, son algunas de estas propuestas que le dieron el estrellato.
Tras dos Premios Oscar en su poder (uno de ellos por su papel en ¿Quién teme a Virginia Wolf?; algunos matrimonios fallidos y un cambio radical en su actitud, ahogándose en el alcohol; el mundo pudo conocer una nueva faceta de Taylor.
Pero, también la diva fue conocida por desarrollar una actividad vital para ayudar a los enfermos de sida en Estados Unidos. Fue así como en 1993 recibió un Oscar honorífico, siendo éste su último reconocimiento. Pues el 23 de marzo de 2011, la mítica actriz de Hollywood dijo adiós a este mundo, dejando un grato recuerdo que perdurará a lo largo de la historia.
La diva en 10 looks y 10 frases
Por eso, a continuación, la reviviremos a través de sus looks más fascinantes y sus frases que quedaron enmarcados para la posteridad.
1- Una joven prodigio
Desde su adolescencia, Elizabeth fue todo un prodigio para aquella generación, y más tras su participación en Una Cita con Judy. Cinta en la que lució un vestido violeta a juego con los ojos de la actriz, confeccionado en gasa y encaje que viste en una escena del musical.
“Siempre he admitido que mi mayor guía es la pasión”
2- Su primer paso a la independización
Con tan solo 18 años, la actriz deseaba escapar con ansías del control familiar, por lo que contrajo matrimonio con Conrad Nicholson Hilton, el heredero del imperio hotelero.
Se dice que la boda fue arreglada por Metro Goldwyn Mayer para hacer publicidad a El Padre de la novia. Por ello, el estudio el pagó el vestido a la protagonista que costó 1500 dólares, una gran suma para aquel entonces. Confeccionado en raso con falda princesa y escote barco con apliques de encaje hasta dibujar un casto cuello.
“Cuando las personas dicen ‘ella lo tiene todo’, solo tengo esta respuesta: ‘No tengo el mañana’”
3- El verde esperanza
Tras varios matrimonios fallidos y una triste pérdida, Elizabeth se enamoró perdidamente del marido de su colega, el cantante Eddie Fisher, quien había sido a la vez como un hermano para su difunto esposo, Mike Todd.
Para esta ocasión, Taylor no solo depositó su amor sino que también se convirtió al judaísmo. Después de aclamar su amor, hicieron realidad sus sueños al contraer nupcias, instante en el que la diva utilizó un vestido corto de falda corola en gasa verde y una especie de verdugo a juego que disimulaba su escote.
“La esperanza vieja es la más dura de perder”
4- Se vistió para la grandeza
Después de varias nominaciones, en 1962, Taylor se alzó con el premio Oscar como mejor actriz principal por su papel en Una Mujer marcada. Para ese instante, Elizabeth se enfundó de un impresionante vestido Dior para recibir su merecido premio.
El mismo se caracterizaba por tener una blusa amarilla sin mangas de gasa, que se desdibujaba con un cinturón de lazo musgo decorado con una rosa roja del que se desprendía la falda nívea con bordados florales. Toda una belleza.
«Lo que vale no es la posesión, sino el proceso que lleva hasta ella»
5- ¿Amarillo que acaba con la mala racha?
Con un Oscar en su haber y una carrera brillante, Taylor comienza el rodaje de Cleopatra junto a su coestelar Richard Burton. Ambos casados y con un amor que los cegó, se dispusieron a tener un romance contra viento y marea, que los puso en el ojo del huracán.
Sin importar los obstáculos, la pareja dio el “Sí, acepto” el 15 de marzo de 1964. Instante en el que la celebridad utilizó un vestido amarillo, con corte baby doll con capa y mangas obispo, desafiando todo tipo de superstición. Pues se trataba de su quinto matrimonio, y esto no le impidió sentirse capaz de retar a la suerte.
“Las ideas mueven el mundo sólo si antes se han transformado en sentimientos”
6- Se viste de oro una vez más
Aunque no tuvo la vida sentimental común y corriente, Elizabeth si tuvo una carrera profesional exitosa. Un hecho que quedó en marcado en 1967, luego de que se llevara a casa su segundo Oscar como Mejor Actriz por su rol en ¿Quién teme a Virginia Wolf?
La cinta fue tan aclamada que recibió 13 nominaciones a la Academia, de los cuales se llevó cinco. Para asistir a la gala, la personalidad pública eligió un conjunto de lentejuelas verde muy setentero, adornado con plumas.
“Las chicas grandes necesitan diamantes grandes”
7- Adaptada al estilo bohemio
Por supuesto, a Elizabeth Taylor le tocó vivir muchas épocas en su vida, estilos iban y venían, por lo que tuvo que adaptarse a muchos de ellos. Fue así, como en la década de los 70 se dejó influenciar por el espíritu Hippie.
Prendas cómodas, ponchos de diferentes colores y pantalones campanas, empezaron a formar parte esencial de su vestidor. Entre sus muchas apariciones, Elizabeth estuvo presente en el Festival de San Sebastián, en donde se dejó ver con una saharina tipo exploradora, y por la noche con una especie de sari indio.
«El éxito es un gran desodorante»
8- Muchas plumas, una diadema y una imagen viral
En su corto paso por las filas de Broadway, la actriz protagonizó la obra teatral Private Lives, una popular puesta en escena que tuvo cierta popularidad. Un recuerdo gracioso de ello es que, durante la celebración por la buena acogida de la obra, Elizatbeth se disfrazó ¡De sí misma! Luciendo como una caricatura de sus tiempo gloriosos.
El look estaba conformado por un vestido blanco que acobijo con un abrigo de plumas. Y como guinda del pastel, utilizó la diadema que su tercer esposo, Mike Todd, le regaló en 1957.
«Para adelgazar no hay nada como comer caviar sin pan y beber champán sin burbujas»
9- La creadora del rey del pop
Aunque no lo crean, Elizabeth Taylor fue la primera persona en bautizar a Michael Jackson como el rey del pop. Un hecho que ocurrió en 1989, previo a la entrega del galardón Soul Train Music Awards.
La protagonista de Cleopatra lucía un peinado a la moda, con uno de esos característicos cortes asimétricos de la década. Acompañada del fallecido cantante y de su amiga Liza Minelli, hicieron historia con una imagen que le dio la vuelta al mundo.
«Nunca planeé adquirir muchas joyas ni muchos maridos. Para mí, la vida sucedió, como lo hace para cualquiera otra persona»
El símbolo sexual, que fue en alguna ocasión la famosa; se casó por octava y última vez en 1991 con Larry Fortensky. Para el gran momento, que se llevó a cabo en el rancho Neverland de Michael Jackson; la diva se enfundó en su mejor traje de Valentino. Un diseño de encaje fruncido que la hizo ver ¡De otro mundo!
“Sólo me he acostado con hombres con los que me he casado. ¿Cuántas mujeres pueden decir eso?”
Aunque no se encuentre físicamente con nosotros, el legado de Elizabeth Taylor se mantiene vivo en sus obras maestras, en sus acciones y por esa picardía que deslumbró al mundo entero. Con una personalidad carismática y un tanto soberbia, la famosa ha sido uno de los iconos más grandes del cine.
“Es momento de la sororidad”, dice Johanna Juliethe en medio de la entrevista. TOYS es una producción teatral que reúne en monólogos íntimos y personales, la voz de todas las mujeres del mundo estudiadas desde la vulnerabilidad, el dolor y la apertura. Entre confesiones personales y críticas sociales, la obra se transforma en un MUST para nuestra sociedad. Aquí tienes todos los detalles.
¿Cómo nació el proyecto? Historias de la vida real
La idea de TOYS nació de conversaciones entre Oswaldo Maccio (a la derecha), junto con Daniela Bueno y Johanna Juliethe.
En la sororidad está la fuerza y “TOYS” lo demuestra. Fue estrenada en marzo del 2020, mes de la mujer y no fue casualidad. La misión de este teatro testimonial es crear un espacio seguro, abierto y vulnerable para que las mujeres cuenten su historia. “Este proyecto nace por la necesidad de querer expresar nuestra inconformidad hacia machismo TAN fuerte que se vive en este país (México)”, comenta Johanna Juliethe, productora de la obra.
Tal como en la foto, cada monólogo es como darle un foco de luz a lo que tenemos por dentro.
Todo surgió de experiencias personalísimas de cada una de las actrices. “Nos sentábamos Daniela Bueno, Oswaldo Maccio y yo en la terraza de nuestras casas a hablar sobre cuántas veces nos habían metido mano en el metro, el hombre que se nos pegó en la calle a ver nuestro sexo, que si a fulanita le eyacularon encima en el autobús (no es broma) y Oswaldo solo nos escuchaba y se llenaba de mucha ira al escuchar todas esas malas experiencias”, asegura.
Desde ese momento, juntos crearon un grupo de encuentro entre mujeres para que entre todas compartieran sus historias: “Daniela y yo nos dimos a la tarea de invitar a amigas o conocidas a este espacio. En esa primera oportunidad fueron 18 chicas que llegaron, todas actrices y todas con alguna historia que contar. Ese primer encuentro nos dejó anonadados por el nivel de apertura que hubo en ellas. Fue entonces que decidimos tener un espacio fijo para ventilar no solo los abusos que habíamos sufrido en la calles de Ciudad de México, si no los abusos que habíamos vivido en nuestras vidas. Que no son pocos”, explica.
Todo comenzó como una terapia artística, un taller de escritura y liberación que les permitiera sanar esas heridas y canalizarlas a través del arte. “Nos llevó 4 meses transformar todo aquello en arte, queríamos llevarlo en una primera etapa a teatro. Nos inventamos unas lecturas dramatizadas para ver cómo calaban las historias en el público y nos llevamos una sorpresa, cuando al terminar esas lecturas, todos los asistentes, hombres y mujeres, querían contarnos sus historias también”, comenta.
Una vez que entendieron la importancia de los espacios que habían creado, decidieron transformar la experiencia a un montaje teatral y fue así como comenzó lo que vemos hoy como TOYS: “Una de las actrices participantes, mexicana, Amaya Blas, con trayectoria en teatro acá. Se ofreció a producir el montaje de teatro y fue cuando unimos fuerzas como su productora Solovino Producciones y la productora que tengo aquí en México con mi pareja, llamada Pararrayos Films”, comenta Johanna.
Teatro TESTIMONIAL crudo, puro y poderoso
Cada monólogo está escrito desde la experiencia personal de cada una. En la foto de la derecha: Amaya Blas.
Virtual TOYS, titulada así por su nueva adaptación para el mercado streaming, es una experiencia íntima y vulnerable que, en lugar de ser un guion literario, es un conjunto de monólogos personales, escritos inspirados en las vivencias de cada una de las actrices que forman parte del elenco.
¿Por qué deberías ver la obra? Entender de primera mano todo lo que siente una mujer desde la intimidad de su dolor y vulnerabilidad, abre un camino de reconocimiento extraordinario. Para Johanna, por ejemplo, explica que escribir su monólogo ha sido una experiencia terapéutica.
“Ha sido la terapia más efectiva que he tenido a lo largo de mi vida. Mi monólogo comienza narrando la primera vez que escuché la palabra puta y fue a los 6 años, más o menos. Mi viaje es salvar a esa puta que todas llevamos adentro y llamo puta a la coquetería, al amor propio, a la sensualidad y sexualidad”, comenta al respecto.
Todas las demás actrices, concuerdan en el poder sanador de conectarse con tu propia historia y más importante: reconocerse en las historias de las demás. “No te imaginas la empatía que producen los textos, hemos tenido hombres llorando y pidiéndonos perdón en la audiencia”, comenta.
¿Por qué llevaron esta historia al teatro? Verse reflejado en un espectáculo, es la forma más pura de entendimiento posible. Tal como lo hacían los griegos, la catarsis pública ayuda a lidiar con los inconvenientes de la vida. TOYS, busca ser espejo de lo que sucede en la realidad. “El teatro nunca va a morir, porque ninguna red, ninguna plataforma te dará el nivel de acercamiento que recibes cuando ves a alguien desnudo (emocionalmente) en un escenario”, explica Juliethe.
¿Qué dicen sus integrantes?
En esta adaptación online, Amaya Blas, Daniela Bueno, Gabriela Montiel, Patricia Pacheco, Samantha Castillo, y Vera Linares son las que estarán en pantalla.
El proyecto está dirigido por Oswaldo Maccio, Amaya Blas, Daniela Bueno, Gabriela Montiel, Patricia Pacheco, Samantha Castillo, y Vera Linares son las que le dan vida a la historia.
Johanna Juliethe lo confiesa como la terapia más efectiva de su vida.
Daniela Bueno, una de las productoras de la obra, comenta que para ella Toy Virtual se convirtió en un proceso creativo que unifica las voces de todas las mujeres que ha conocido. “Termina siendo la suma de voces del grupo con el que estuve, las mujeres que he conocido, las mujeres de las noticias, las de mi familia, las niñas maltratadas y descubrí, que esa era mi voz”, comenta.
Paty Pacheco, también forma parte del elenco y desde su experiencia Toy Virtual ha sido un proceso de autodescubrimiento personal. “Es un viaje hacia adentro, a darme cuenta de momentos que me han afectado sin que yo lo hubiese tomado en cuenta. Es escuchar y crecer de las experiencias de mis compañeras. Sentirnos amadas, respetadas, protegidas”, asegura, demostrando la importancia de la sororidad.
Amaya Blas, asegura que es una experiencia artística sanadora: “Es uno de los desnudos artísticos más hermosos que he presenciado: encuerar el alma para darle libertad, para sanar. Más allá de ser un proyecto teatral, ha sido un encuentro poderoso de mujeres en el que todas nos hemos quitado corazas y hemos confiado desde el primer día. La necesidad de alzar la voz, nos unió. Mi necesidad de gritar, me trajo aquí, a escarbar donde necesitaba hacer”.
Samantha Castillo, escribió el monólogo “La úber” y cuenta que ha sido un recorrido de reconocimiento interior. “Supimos ver al otro, ver el propio rostro en el del otro, pero éste encuentro de almas que se supieron ver, sin prejuicios, generó, parió, creó un proyecto, que día a día va creciendo y tocando a otros”.
Gabriela Montiel, es la responsable del monólogo “La hija de Mario Bross” y su historia tiene el propósito de mostrar su jornada de autodescubrimiento y conexión con el pasado: “Ha sido un viaje a mi niña interior, un reencuentro con el pasado y una reconstrucción del presente, la oportunidad de reconocerme en otras voces y sabernos una”.
¿Dónde? ¿Cómo? ¿Cuándo?
Se llama «TOYS» haciendo referencia a todas las veces que las mujeres son utilizadas.
Sentirnos seducidos con el poder de una fragrancia, la cual nos evoque una fuerte tentación de lujuria, vivacidad y un jardín de provocaciones; fue la premisa para la creación de los nuevos perfumes de Jean Paul Gaultier. Bautizados con el nombre de La Belle Le Parfum y Le Male Le Parfum, la firma de lujo nos invita a adentrarnos a un bosque silvestre lleno de pecados.
¡Bienvenidos al jardín del Edén!
Una vez más, la casa Jean Paul Gaultier nos sorprende con una propuesta que traspasa nuestros sentidos. Dos nuevos perfumes que evocan la más fina y pura sensualidad de los aromas naturales, aquellos que te envuelven con tan solo un vaporizado.
“Esta noche, la calidez crepuscular hace que broten frutas y flores. Esta noche, la gula ya no es un detestable pecado: las manzanas se muerden tantas veces como se quiera. Es misterioso, irresistible, abundante… Bienvenido a un jardín que encarna la libertad”, rezó la firma en su rimbombante comunicado.
La Belle… el fuego de la vida
Es así, como se han creado dos fragancias que, con su estela, nos dejan un jugoso néctar de aromas. Por ejemplo, para La Belle encontraremos: vainilla, pera, almendra, belladona, almizcle, bergamota, haba tonca tostada y jazmín; elementos que los perfumistas Quentin Bisch y Sonia Constant utilizaron para el perfume femenino.
Para su presentación, han decidido colocar la exquisita fórmula en un frasco rosa y rojo, insistiendo en la idea de que “aquí todo arde con un fuego que da la vida”. En sí, la propuesta nos deleita con un estuche en forma de fuente verde, que se traducen como “los punto de agua de los jardines exóticos”.
La fragancia cuenta con su tradicional envase de busto color trasnparente, con algunos apliques dorados en su pecho que nos dan ese aire de sensualidad y elegancia.
De este modo, Gaultier pretende transportarnos a un jardín que refleja la libertad, en donde solo está permitida la entrada a los “felices pecadores”. Mismos que son representados por algunos rostros conocidos de la cultura española, tales como: Jessica Goicoechea, la artista Samantha Hudson o la actriz Lola Rodríguez.
Le Male… el marineo más sexy
Mientras tanto, en su versión masculina, o como lo describió la firma “el marineo más sexy del planeta”; nos encontramos con la propuesta creada por Quentin Bisch y Nathalie Garcia-Cetto.
Le Male Le Parfum es el resultado de una “exquisita amenaza de tormenta. El viento cálido que proviene del cardamomo y atrapa las nubes. La brisa de lavanda asciende del sur por las bajas presiones”, profesó Jean Paul Gaultier.
Asimismo, en esta novedosa fragancia podremos encontrar hermosos contrastes como las de vainilla que fueron dispuestos en copos discretos para, de esta forma, darle vida al séptimo cielo, oriental y un tanto amaderado.
El mismo se encuentra disponible en un frasco negro y estuche lacado… “negro como la noche” con cordón dorado “como en los trajes de gala”… Es sin duda una propuesta sobria y elegante.
Ambas fragrancias ya se encuentra disponibles para su venta y, por supuesto, dispuestas para seducirnos con sus aromas tropicales y vibrantes.
Nomadland se ha convertido, en poco tiempo, en el caballito de batalla de Chloé Zhao, una propuesta fresca e innovadora que aborda temas como la liberación de una vida reprimida por los problemas diarios. Es así, como esta producción se encamina hacia los Oscar como una de las grandes favoritas. Y es por ello que, a través de este artículo, realizaremos un viaje por las más fantásticas curiosidades de la cinta.
Las bondades de la naturaleza, su fuente de inspiración
Ataviada de las grandes multitudes, de las estrechas calles de las ciudades en el mundo, del bullicio y, sobre todo, de los incesantes problemas que hacían vida en cada rincón; Chloé Zhao buscó refugio hacia las afueras de las grandes capitales. Por lo que decidió mudarse a las reservas indias de Dakota del Sur.
Fue en ese instante en donde inició su travesía por el mágico mundo del cine, creando odas de la inspiración natural y alejada de la vida cotidiana. Allí rodó sus dos primeras películas: Songs my Brother taught me y The Rider.
Tan inspirada y seducida se sintió por estos serenos lugares, que una vez más decidió grabar su nueva obra maestraNomadland. Cinta que sigue a esta sociedad paralela americana que no tiene código postal, que se desdibuja entre las carreteras vacías y su principal acompañante es la soledad, pero una soledad repleta de naturaleza.
Top 5: curiosidades de ‘Nomadland’
Es así, como una película que parece tan “simple” ha dejado con su paso una estela humeante de esperanza y romanticismo, obteniendo grandes roles dentro de la temporada de premio. Y si esto aún no te convence de verla, acá te contamos algunas curiosidades.
Y es que, ambas se conocieron en una recepción previa a los Independent Spirit Awards de 2018, momento en el que decidieron colaborar juntas en el proyecto. Sin más ni menos, las dos se sentían con la disposición y la inspiración a flor de piel para llevar a cabo un trabajo de tal magnitud.
Chloé, por su parte, acababa de recibir una beca de 50 mil dólares para mujeres directoras. Mientras tanto, Frances siempre había vivido admirada por la vida de todos aquellos que han decidido dejar todo un lado, y recorrer el mundo sin un rumbo específico mediante una van. Fue con este contraste y poder que se le dio vida a Nomadland.
Su amor por la naturaleza y su pasión por la libertad, llevaron a Frances y a Chloé a ser grandes compañeras en esta producción
2- De regreso a su refugio
La cinta fue grabada en distintos puntos alejados de las grandes ciudades, para demostrar de esta forma la increíble apuesta de la naturaleza. Fue así como en septiembre de 2018 arrancaron el rodaje en Dakota del Sur, específicamente, en las Badlands. Se trata de unas tierras baldías de formas y colores impredecibles.
Aunque esta zona no aparecía en la historia original, Chloé quería regresar al lugar mágico en el que descubrió su esencia como cineasta y su lugar en este mundo.
Badlands es un parque nacional ubicado en Dakota del Sur, son unas formaciones rocosas con características áridas con cañones, barrancos y demás
3- Comprometida con su rol
Según ha contado Frances McDormand, durante el proceso de pre-producción ella misma fue la encargada para la construcción, desde cero, de su personaje Fern. Todo ello puesto a que se ha declarado fascinada por la liberación que supondría una vida nómada.
Tanto fue su gusto con dicho rol que, de acuerdo a lo que reveló en una entrevista; debió sumergirse de lleno en la vida de una persona nómada, el cómo podría sobrevivir de la naturaleza y hacer de ésta su aliada.
“Mientras interpretaba a Fern ‘trabajé’ en un centro de logística de Amazon, en la cosecha de remolacha azucarera, en la cafetería de un punto de interés turístico y como supervisora en el camping de un parque nacional”, destacó la actriz. Esto sin que nadie se percatara que, realmente, estaba estudiando su papel, por lo que no trabajaba jornadas completas, pero sí debían ser realistas en cuanto a las obligaciones.
4- Nómadas reales en la pantalla grande
Apartando a Frances McDormand y a David Strathairn, el resto de los personajes que hacen vida en Nomadland son reales. Personas a la que Jessica Bruder conoció durante la preparación del libro y que, ahora, se interpretan a sí mismos en el film, más guionizado de lo que parece, pero en su más pura esencia espontánea.
Sin duda, este hecho le da un plus a toda la historia pues, mediante sus experiencias, testimonios y miradas; nos dan una visión más cercana del mundo de los nómadas.
“Algunos lo llaman un ‘viaje’… Para mí, se trata de exprimir la vida al máximo y dar lo mejor de mí”, contó Swankie, una de las nómadas protagonistas
Para un nómada la palabra “adiós” no existe en su vocabulario, sino más bien es un “nos vemos en el camino”, porque el viaje nunca acaba y, por cosas de la vida, se volverán a encontrar.
Su medio de transporte son las conocidas furgonetas o vans, la de Fern es una Vanguard marca Ford Econoline. En ella, Frances metió cosas personales para que ella y Fern se volvieran una misma persona. Como por ejemplo, la vajilla que le regaló su padre y artesanía que ella misma hacía.
“Me llevé mi bolsa de cintas, el telar y el gancho, y creo que hice unas 75 manoplas que le fui dando a la gente que nos encontrábamos en la carretera y a los miembro del equipo”, comentó la actriz.
“Hemos querido reflejar el esfuerzo físico y las complicaciones para las personas entradas en años, pero también la alegría de trabajar y vivir en plena naturaleza… sentirse útil”, confesóFrances
Sin duda alguna, Nomadland es la concepción de un viaje cultural, un vistazo hacia las grandes vidas de personas que decidieron arriesgarlo todo, de vivir su vida a plenitud y de hacer de la naturaleza su gran amigo y hogar. Una cinta perfecta para verla el fin de semana junto a los tuyos.
