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El arte de una suculenta arepa a través del ‘Arepólogo’: un tributo a la venezolanidad que debes conocer

El calor venezolano es uno de los factores indiscutibles que nos distingue en cualquier parte del mundo, y solo lo supera una cosa: el sabor de nuestra tierra. Un sabor que ha sido representado con un solo elemento, el cual se ha convertido en la bandera fulgurante de nuestra cultura. Y ha sido el platillo que ha fungido de inspiración para el libro creado por Ricardo Estrada, bautizado bajo el nombre del: Arepólogo, la historia de nuestra típica arepa resumida en versos llenos de amor.

La cultura culinaria a través de las palabras

Tras una ardua investigación, el escritor decidió reflejar a través de sus más sinceras palabras, de fotografías repletas de calidez y que llenan de orgullo a cualquier venezolano; ese ícono que ha marcado pauta en la historia de Venezuela. Y que, además, se ha tornado como el elemento en común de toda nuestra cultura: la arepa.

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Mediante un encuentro realizado vía zoom, Ricardo Estrada bautizó su libro bajo las cascadas de nuestro exquisito ron venezolano

Y es que, ¿quién no disfruta de una deliciosa arepa, ya sea por la mañana, por la tarde o por la noche? Sabemos que muchos la gozan. Es por ello que, sin falta alguna, el venezolano decidió retratar mediante estas páginas llenas de fulgor, la variedad y tipologías que existen de la misma.

La arepa a través del tiempo

Pero, ¿qué podemos encontrar en este maravilloso libro? Tal y como mencionamos, Estrada estuvo durante los últimos 10 años realizando una minuciosa expedición, en la que debió sumergirse de lleno en la evolución que ha tenido este platillo típico a lo largo de los años. Es así, como el especialista logró plasmar sus ideas, exploración y vivencias mediante el Arepòlogo.

De este modo, Ricardo consigue marcar un precedente al elaborar un editorial que exponga, de forma detallada, la evolución de la arepa con el pasar de los años. Su origen, su variedad y, por supuesto, la importancia de la misma.

Teniendo en cuenta la relevancia que tiene este platillo en nuestra idiosincrancia, el escritor decidió hacer un verdadero tributo el cual, sorprendentemente, se convierte en toda una fuente de inspiración. Una que nos llena de orgullo y eleva la esencia de un elemento culinario que, sin duda alguna, ha logrado perdurar en el tiempo y unirnos como venezolanos.

El símbolo de la venezolanidad

A su vez, este maravilloso trabajo no solo es crédito del periodista, sino de un grandioso equipo que lo acompañó en esta mágica aventura. Versos, frases y páginas que narran, mediante las apalabras y fotografías; todo lo que debemos saber de la arepa. Un libro que tiene como propósito conectar con todos aquellos que disfrutan de sus sabores, sus procesos y ese increíble don de unir a todo el país.

A lo largo de sus 15 capítulos, Estrada nos invita a hacer un viaje por la historia, desde nuestros antepasados hasta la actualidad; reviviendo hechos históricos con la infalible presencia de un símbolo que nos hace sentir orgullosos de lo nuestro.

En este sentido, mediante el Arepólogo hacemos un recorrido por las diferentes regiones e ingredientes de nuestra Venezuela, exaltando todos los matices que ayudan a destacar al país.

Desde una buena pelua, pasando por la típica reina pepiada, hasta llegar a la tradicional; so algunas de las variantes que encontramos en el Arepólogo

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Recordemos que la arepa fue un alimento que fue el plato en común de nuestros indígenas, de los conquistadores españoles y, finalmente, de los ejércitos patriotas y realistas en las batallas por la Independencia. Pero, su relevancia se hizo más visible con el pasar de los años, un hecho que se incrementó con la creación de la harina precocida.

En definitiva, una buena arepa es la traducción para cualquier venezolano de un momento repleto de alegría, la emoción de tener un platillo en tu mesa, así como de sentir tanta calidez a través de cada probada. Por lo que apreciar y tomarse el momento de leer el Arepólogo sería, indiscutiblemente, un acto más que nos una como venezolanos.

Si deseas conocer más sobre el periodista, sus iniciativas o sobre el libro, te invitamos a que lo sigas mediante sus redes sociales y, de esta forma, seas parte de esta campaña para exaltar el verdadero sabor a Venezuela.

¡Feliz cumpleaños Meryl Streep! 5 consejos increíbles que hemos aprendido gracias a sus personajes

Con una versatilidad camaleónica y un talento que trasciende la pantalla, Meryl Streep se ha convertido en la estrella más importante de Hollywood. Para celebrar su cumpleaños 72, hicimos un recorrido por 5 de sus personajes más icónicos y todo lo que aprendimos de ellos en cada película.

Miranda Priestley: Sé la dueña de tu propio runway

Meryl Streep es The ultimate boss en The Devil’s Wear Prada y su personaje es todo un ícono de la cultura pop. Aunque no tiene ni un ápice de empatía, tiene talento y seguridad de sobra. Es un personaje ideal para recordarnos que si queremos triunfar necesitamos confianza, trabajo duro y muchísimo conocimiento.

Miranda logra traducir la moda en lo que es: un fenómeno cultural y sociopolítico, sin dejar que los que la rodean interfieran en su propósito. Con la cabeza tan en alto como si llevara una corona, siempre va de punta en blanco. ¿Quién no quisiera ser ella, aunque sea por un rato? ¡Es extraordinaria!

Donna: lucha por tus sueños y abraza tu pasado

Llevando el peso de un hotel completo en una isla paradisíaca, Donna es el ejemplo de mujer poderosa y trabajadora. Este es uno de los personajes más adorables de la carrera de Meryl Streep y nos enseña que no importa qué tan improbable parezca un sueño, siempre se puede lograr.

Otro detalle importante de Donna, es su capacidad de abrazar su pasado. Aunque su hija Sophie le dio un empujoncito para que hiciera las pases con su juventud, Donna termina aceptando todas las loqueras que hizo y que la transformaron en lo que es. Así que cuando dudes de lo que quieres, recuerda que ella logró su hotel hermoso y además, el amor de 3 hombres maravillosos.

Julia Child: las mujeres pueden lograrlo absolutamente TODO  

Apasionada por el mundo de la cocina, esta vez, Meryl Streep encarnó a Julia Child, una mujer que rompió todas las barreras de género de la época. Aunque la alta cocina estaba permitida únicamente para hombres, Julia decidió trabajar duro hasta conseguir convertirse en una de las mejores chefs del momento.

Con más de un libro escrito y con recetas que practicó hasta el cansancio, jamás dejó que la misoginia afectara su desempeño. Quería ser la mejor y lo iba a lograr con o sin ayuda de sus profesores. Es todo un ícono feminista y LA AMAMOS.

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Clarissa: la vida siempre debe continuar

Esta es una de las actuaciones más dolorosas de Meryl y también, una de las mejores películas en las que ha participado. Inspirada en la Sra. Dalloway, de Virginia Woolf, pero en una versión más modernizada, Clarissa nos recuerda que, aunque la vida se nos tambalee en las manos, el show siempre debe continuar.

Con entereza, elegancia y fortaleza, Clarissa se enfoca en los detalles de la vida cotidiana para agarrar fuerzas cuando todo a su alrededor parece derrumbarse. Aunque a veces todo se vuelva caótico, siempre podemos salir a llenarnos la casa de flores.

Margaret: el trabajo es la clave del éxito  

Reivindicando el papel de la primera ministra de Reino Unido, Margaret Thatcher, Meryl tomó el riesgo y logró hacer una de las interpretaciones más increíbles de toda su carrera. Aunque la famosa dama de hierro está llena de escándalos y opiniones encontradas, nos recuerda en esta película que el trabajo es la clave del éxito.

Preparada desde niña para ejercer cargos políticos, Margaret jamás dejó de trabajar por lo que quería. Se preparaba constantemente para lograr ser la mejor y ese es un consejo importantísimo para la cotidianidad: si quieres algo, trabaja hasta obtenerlo.

Meryl Streep es, probablemente, la actriz más importante y talentosa de estos tiempos, hoy celebramos con ella sus 72 años y deseamos que nos siga regalando papeles extraordinarios por mucho tiempo más. ¡Enhorabuena!

¡Una comedia LGBT! 5 razones por las que DEBES ver “Smiley” en el Centro Cultural BOD

En pleno mes del orgullo LGBT, el Centro Cultural BOD trae a su cartelera “Smiley”, una obra que narra la historia de amor de dos hombres desde una perspectiva íntima y sentimental. Aquí tienes 5 razones para irla a ver este sábado 26 y domingo 27 a las 5:00pm.

Cuando el amor llega así de esta manera…

Uno no tiene la culpa. ¿Verdad? Esta comedia romántica demuestra que a veces, el amor llega de la forma más inesperada y no hay nada que puedas hacer si está en tu destino.

Basada en un mito japonés que asegura que todos estamos conectados a nuestra “alma gemela”, a través de un hilo rojo que se ata a nuestro dedo meñique, Smiley explora el amor desde una perspectiva jocosa y divertida.

¿De qué se trata la obra? Álex y Bruno están cansados de las decepciones amorosas y no tienen demasiada confianza en el amor (aunque ambos desean conocer a su alma gemela). Como por arte de magia, una llamada equivocada los une en una cita romántica, pero a primera vista, todo fue un desastre.

Lo que podría ser la pareja más dispareja del mundo, comienza a conectarse en contra de su voluntad en una serie de aventuras que demostrará que el amor es la fuerza más poderosa del mundo y también, la más incontrolable.

Una comedia respetuosa de los clichés de las relaciones LGBTQ+

El amor es amor en todas las relaciones, pero tanto las heterosexuales como las homosexuales tienen sus clichés y Smiley muestra de forma jocosa los clichés más frecuentes de la comunidad LGBTQ+.

Desde el drama de las aplicaciones de citas en donde el amor no se encuentra en ningún lado, hasta una exploración de los diferentes estilos de coqueteo, la obra pasea por la realidad de forma coqueta y agradable.

¿Hay que ser homosexual para entender? ¡No! Es una comedia universal que puede lograr que todos se rían (incluso los señores mayores de la audiencia se carcajearon de la risa).

Actuaciones INCREÍBLES de José Manuel Suárez y Pedro Borgo

Un escenario que está en constante transformación y movimiento es la fantasía del público y cada escena en Smiley es tan cambiante, que te deja conectado a la historia en cada segundo.

Pedro Borgo, hace de Bruno y es un personaje romántico, cautivador y snob en el mejor sentido de la palabra. La ternura se le desborda por los poros y hace que el público se enamore de él y de sus detalles. (Quédate con quien te regale películas en DVD a estas alturas de la vida).

José Manuel Suárez, hace de Álex y es la simpatía y coquetería hecha persona. Su carácter relajado y divertido, esconde una profunda necesidad de ser valorado y querido. Sus discursos no tienen pérdida y esa coraza de chico malo se va abriendo alrededor de la obra y es una delicia ver cómo evoluciona el personaje.

Si formas parte de la comunidad LGBT, la vas a disfrutar DEMASIADO

No, no es que quiero segmentar al público o categorizarla como una obra únicamente homosexual, pero si eres parte de la comunidad LGBT, vas a reírte demasiado porque habrás vivido en carne propia muchas de las situaciones que se muestran en escena.

Guillem Clua, el guionista de Smiley, es un escritor español homosexual que se inspiró en todos los clichés que se encuentran en la comunidad gay para hacer todo el planteamiento de la obra. Así que es comedia sobre la comunidad LGBT, mostrada de forma respetuosa y sentida desde la perspectiva de la experiencia.

“Glosario para el público heterosexual del público”

Es una comedia universal, pero cuando alguna jerga del contexto LGBT (apps de citas, fechas del orgullo, íconos LGBT, etc), hacen incisos comiquísimos en los que explican a lo que se refieren algunos términos.

Lo mejor de toda la obra, es que, aunque evidentemente se desarrolla en un contexto homosexual, el eje central es el amor, la conexión de almas entre dos personas, más allá del género y/o la orientación sexual. Es una demostración hermosa de que cuando el amor llega así de esta manera, uno no tiene la culpa.

¡Tienes que ir a verla! Está en el Centro Cultural BOD este sábado 26 y domingo 27 a las 5:00pm. y haciendo click aquí puedes comprar las entradas.

Ananda, el restaurante caraqueño que ofrece «felicidad suprema»

Al buscar opciones gastronómicas se suele ir a Los Palos Grandes o La Castellana para disfrutar de un día diferente, lleno de sabor y de cultura, pero Ananda llega como una alternativa para aquellos que residen en el sureste de Caracas y quieren vivir la experiencia que ofrece este restaurante en su terraza. Aquí todos los detalles de la mano de uno de sus fundadores: Ricardo Molina.

Jóvenes al poder

Espacio para compartir

A un grupo de tres hermanos, asociados con otra persona, se les presentó la oportunidad de incursionar en el mundo de la gastronomía. Esta posibilidad le abrió paso a un equipo de jóvenes, de menos de 30 años, dispuesto a apostar y ofrecer nuevas ideas que contribuyeran al desarrollo del proyecto. Las personas a la cabeza de Obra Verde fueron una pieza importante para diseñar y construir este espacio en 2018 .

“Íbamos a vender empanadas, pero a medida que avanzamos en el proyecto vimos el potencial que tenía la terraza”, comentó Molina. El restaurante está ubicado en un espacio amplio en el Sport Center Los Naranjos donde corre la brisa y El Ávila hace presencia para decorar la vista. Se pensó que era el lugar perfecto para promover la cultura, el entretenimiento y ser un referente para la comunidad del Hatillo.

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Un espacio con significado

Equilibrio ante todo

Este establecimiento no es solo un lugar para disfrutar de una buena comida, va mucho más allá. Por ello, nació la idea de llamarlo ‘Ananda’, palabra originaria del sánscrito – lengua clásica de la India – que significa “felicidad suprema”.  

Este, a su vez, era el nombre del primo hermano de Buda, quien era una persona equilibrada que hacía ejercicio y estaba muy relacionada con la cultura. Cada una de estas características son imprescindibles en este restaurante. “Nosotros lo llamamos la “Experiencia Ananda” que va desde comer un plato, escuchar una buena música o venir a una cata de café”, afirmó Molina.   

Aquí comen todos

En Ananda se busca satisfacer todas las necesidades para cumplir con su objetivo: la felicidad plena. Por ello, no influye con quién se vaya porque cuentan con opciones saludables, pero sin descuidar a aquellos que quieren darse un gusto. De esta manera, logran el equilibrio entre lo fit y lo fat.

De acuerdo con Molina, los platos más significativos que representan a Ananda son:

  • Hamburguesa Ananda: con una mermelada de tocineta que la hace única.
  • Pizza Ananda: con una crema de cebolla con chips de ajo para salir de lo tradicional.
  • Ensalada Ananda: con una salsa de parchita, miel mostaza y un queso cremoso de cabra sin aditivos para deleitar el paladar.
  • Humus de remolacha: una entrada diferente y ligera que viene acompañada con casabe.
  • Desayunos: diferentes opciones para los amantes de lo fit o lo fat.

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Adaptación en tiempos difíciles

En su terraza también se vieron afectados por la pandemia, pero buscaron alternativas para adaptarse a los cambios y seguir innovando. Aunque la comida del restaurante no estaba pensada para el delivery, Molina explicó que se reinventaron y cambiaron la experiencia de la comida de su local al hogar.

Este cambio de rutina también afectó su planificación trimestral al realizar eventos, pero las semanas de flexibilización les han permitido crear espacios culturales de esparcimiento para disfrutar de planes diferentes.

 “Esperamos que cuando se regularice la situación poder brindarle este espacio a la gente para poder intercambiar cultura, comida y un lugar de esparcimiento para los hatillanos”, aseguró Molina. Asimismo, han hecho cambios en su menú, convertido su espacio en office spot y son pet-friendly para no dejar a ninguno de los miembros de la familia fuera de la experiencia Ananda.  

La excusa perfecta para viajar a New York de nuevo: nueva exposición de Christian Dior

El entusiasmo por la vida y la moda se percibe en cada rincón de Nueva York. La Gran Manzana es una gran pasarela al aire libre a la que siempre es bueno regresar, pero ahora los amantes de la moda tienen una excusa para hacerlo: ‘Christian Dior: Designer of Dreams’ será la nueva exposición del Brooklyn Museum. Aquí todos los detalles.

¿Qué esperar?

Christian Dior en todo su esplendor

La nueva exposición de Christian Dior está compuesta por importantes exposiciones pasadas de la marca. La principal es la realizada en 2017 en el Museo de Artes Decorativas de París, junto a ella se tomarán en cuenta las exposiciones en el Victoria and Albert Museum de Londres de 2019 y en el Long Museum West Bund de Shanghai de 2020.

De esta manera, se presentarán – en el patio de 1.800 metros de bellas artes – piezas únicas tomadas de los archivos de Christian Dior, así como parte del trabajo de Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons y Maria Grazia Chiuri.

Con este trabajo se busca poner en retrospectiva los más de 70 años de historia en el mundo de la moda a través de 200 trajes de alta costura que estarán acompañados por otras muestras artísticas.

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La fotografía dice presente

¡Una maravilla a la vista!

En el mundo de la moda la fotografía cuenta con un puesto indispensable. Por ello, en esta nueva exposición de Christian Dior que estará abierta al público desde el próximo 10 de septiembre hasta el 20 de febrero – se apreciarán instantáneas de moda de destacados fotógrafos estadounidenses.

Irving Penn, William Klein, David LaChapelle, Annie Leibovitz, Frances McLaughlin-Gill y Gordon Parks son algunos de los más conocidos.

¿Qué une a esta exposición?

Vestidos de ensueño

El hilo conductor de esta nueva exposición de Christian Dior no deja nada al azar e introduce al espectador de forma inteligente a este universo, desde el ‘New Look’ – su mítica silueta – hasta el amor por las flores o las petites mains.

En una entrevista para Travelers, Florence Müller, historiadora y curadora del Denver Art Museum, comentó que “…La apertura de la primera sucursal de Nueva York, en 1948, fue el preludio de esta fama mundial. Tras la presentación de Christian Dior: Designer of Dreams en París y Londres, la nueva exposición en el Museo de Brooklyn rinde homenaje a esta aventura histórica única de la moda iniciada entre París y Nueva York”.

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¿Por qué se depilan las mujeres? La historia de cómo el vello se volvió prohibido

Uno de los debates más álgidos que existe está relacionado con la depilación femenina. A medida que pasa el tiempo, las opiniones evolucionan y las tendencias cambian, pero lo que suele persistir en la mente del colectivo sobre la mujer es “mejor con las piernas, ingles y axilas depiladas”. ¿Siempre fue visto el vello como algo prohibido y que no debería estar en el cuerpo? Aquí todos los detalles.

Las mujeres y la depilación femenina

¿Por qué nos sigue pareciendo extraño?

El motivo por el que las mujeres deben acudir a la depilación femenina para hacer desaparecer cualquier tipo de vello en las piernas, axilas, cejas, labio superior o cualquier área que “no corresponda” se remonta a mucho tiempo atrás.

¿Es algo biológico?, ¿las mujeres cuentan con un gen que las impulsa a arrancarse el vello corporal?, ¿la respuesta estará en la ciencia o hay algo más? Conozcamos qué pasaba antes.

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Vamos al principio de todo

El tabú tiene mucho tiempo entre nosotros

De acuerdo con diversos investigadores, en la Edad de Piedra se utilizaban piedras afiladas para quitarse el pelo. En ese momento tenía sentido que se hiciese por higiene, puesto que no existían mecanismos de limpieza, no se lavaban el pelo por lo que se enmarañaba y se volvía era el nido perfecto para criar piojos y ácaros.

Luego, los egipcios comenzaron a depilarse por las altas temperaturas. Además, se creía que tener vello corporal era sinónimo de incivilización. Por ello, hombres y mujeres lo hacían con una variedad de ungüentos que facilitaban el proceso de remoción de vellos.

Con la llegada del Imperio Romano se comienza a hacer una distinción. El vello corporal era visto como un tema de clases – como ocurría con los egipcios – y de higiene personal, pero el tema es que solo aplicaba a las mujeres.

La llegada de la Reina

Que las mujeres hacían… ¿qué?

Durante la época del Renacimiento, la reina Isabel estableció una norma social que todas las mujeres europeas tenían que seguir: depilarse el vello facial a excepción de las cejas.

La aceptación fue tal que las mujeres se quitaban 3 centímetros de cabello para tener la frente más grande.

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Cambios en la moda que impactaron

A principios del siglo XX, las prendas de ropa se fueron acortando y quedaban expuestas las axilas y los brazos, por lo que los primeros prejuicios en contra del vello femenino comenzaron a aparecer.

La mujer en la publicidad permitió generar una concepción diferente de la piel, ya que sin vello se consideraba mucho más limpia y cuidada. Este hecho fue visto como una oportunidad para los fabricantes de cuchillas de afeitar. Gillette para 1915 lanzó ‘Milady Décolletée’, la primera cuchilla femenina que prometía eliminar el pelo del rostro, cuello y brazos.

Además, los eslóganes antipelo no tardaron en hacer presencia. Este mensaje era puramente patriarcal y, en pocos años, no tardó en tomar fuerza. En los años 60, con la llegada y asentamiento de la minifalda, la depilación femenina era algo que la mujer debía hacer porque “era lo que le tocaba”.  

¿Y ahora qué pasa?

En estos momentos, el acceso a la información, la capacidad de debate y movimientos feministas han permitido que las mujeres comiencen a cuestionarse por qué deben odiar su vello corporal.

Las marcas se han hecho conscientes de esta realidad y han lanzado campañas con modelos que lucen vello en sus axilas. ¿Se normalizará el vello corporal en la mujer? O ¿Seguirá siendo un tabú en la sociedad?

Elsa Schiaparelli, la diseñadora que enamoró a Dalí con su locura y se ganó a Chanel como enemiga

Con una inteligencia extraordinaria y una personalidad muy adelantada a su época, Elsa Schiaparelli se convirtió en todo un ícono de la historia de la moda. Su estilo surrealista logró enamorar a Salvador Dalí y su visión ‘cómoda’ de la moda, hizo que Coco Chanel la detestara de por vida. Aquí tienes la historia de unas de las mujeres más importantes del fashion world.

El convento que la transformó en artista

Siempre se destacó por su estilo extraño. Se casó una vez tras 24 horas de haber conocido a su esposo, el matrimonio fue un fracaso y se divorciaron poco tiempo después.

Nació bajo el seno de una familia extremadamente intelectual. Su padre era egiptólogo y su tío era astrónomo, ambos fueron sus dos más grandes influencias. Juntos se encargaron de que tuviera una educación privilegiada y llena de ventajas. Desde pequeña mostró interés por las artes y la literatura. El misticismo del universo la fascinaba y su tío la ayudaba a descubrirlo.

En búsqueda de crear su propio camino, comenzó a estudiar filosofía en la Universidad de Roma. Las letras la apasionaban pero todo se derrumbó cuando publicó un poemario en 1937 titulado “Arethusa” (haciendo referencia a un cometa). Su contenido de carácter sexual, escandalizó a sus padres quienes decidieron meterla en un convento.


De familia católica, estaba ya acostumbrada a las doctrinas de la religión, pero sus ideales eran muy diferentes. Soñaba con explorar el mundo. Escapó del convento un año después. Su estadía le sirvió para involucrarse más en la historia del arte. Conoció el Renacimiento y se enamoró profundamente del arte como medio de expresión. Lo que comenzó como un castigo, terminaría siendo la guía más importante de su vida.

Una revolución fashionista: ropa cómoda pero bonita

Ella era su propia musa, comenzó a popularizar el concepto de falda pantalón (lo que hoy conocemos como Palazzo) y fueron todo un éxito.

Schiaparelli comenzó a experimentar con todo tipo de creación artística. Se sumergió en la escritura, la pintura pero la moda resultó hacer clic con sus sentidos y se transformó en su leitmotiv. La moda femenina siempre había tenido una connotación icómoda y poco práctica, un ejemplo sencillo son los córsets que resultan ser una cárcel para el cuerpo. Ella quería transformar por completo el concepto y crear piezas que además de verse elegantes, pudieran ser cómodas y prácticas.

La tenista española Lili de Álvarez muestra su falda pantalón, diseñada por Schiaparell para que estuviera más comoda en el juego,i en 1931 en el North London Tennis Tournament.

Convencida de que su proyecto tendría éxito, comenzó vendiendo sus diseños a casas comerciales hasta que comenzó su propia industria. Sus trabajos eran coloridos y muy estrambóticos, lo que hacía un choque enorme con la tendencia minimalista de la época. Schiaparelli no tenía miedo de innovar y los resultados de sus experimentos fueron fantásticos.

Su propuesta de moda, tenía una mezcla de arquitectura, con surrealismo y lo mejor: practicidad. El estilo tan fuera de lo común de sus prendas, atrajo a clientas como Katharine Hepburn y a la duquesa de Windsor. Su nombre se transformó en sinónimo de elegancia y respeto dentro del mundo de la moda.

¡Una enemiga de gratis! El desprecio que le tenía Coco Chanel

Ambas tenían personalidades muy contrastantes, pero a Schiaparelli jamás le interesó la opinión de Chanel.

La diosa de la moda parisina era Coco Chanel y no había ni un alma que lo pusiera en duda. El auge del nombre de Schiaparelli comenzó a hacerle ruido a la ícono de la moda y comenzó una rivalidad que jamás ocultó. El estilo de Chanel era muy contrastante con el de Schiaparelli. Chanel era muy minimalista, elegante y sumamente recatada, mientras que su ‘enemiga’, era estrambótica, exagerada y colorida.

La duquesa de Windsor, posando para Vogue con un diseño exclusivo de Schiaparelli que tenía una langosta en el centro pintada a mano.

Chanel la llamaba despectivamente ‘La italiana’, y la detestaba porque consideraba que su ropa era ‘pobre de lujo’. Barata, poco elegante, estrafalaria. A «la italiana» en ningún momento le importó la opinión de su competidora principal y pese a la fortaleza del ‘imperio Chanel’, Schiaparelli fue tan exitosa que fue la primera mujer en aparecer en la portada del Times. Así que ni una enemiga tan poderosa como esa pudo detener su imperio.

El amor por el surrealismo la unió con Dalí

Su creación más famosa juntos, fue el ‘Vestido esqueleto’, inspirada en una de las obras de Dalí. Un traje completamente negro con añadiduras en forma de huesos.

Salvador Dalí es el personaje más extravagante de todo el surrealismo. Cuando conoció a Schiaparelli, la diseñadora italiana que no le tenía miedo a nada, sabía que era un match made in heaven. 

En 1937 comenzaron a trabajar juntos en una colección que cambiaría completamente el rumbo de su carrera porque la direccionó oficialmente al mundo de las artes -donde siempre quiso pertenecer-.

También hicieron juntos una línea de joyería y un sombrero en forma de tacón.

Juntos crearon diseños sorprendentes. Desde vestidos de esqueleto, hasta sombreros en forma de zapato. Dos grandes surrealistas trabajando en un mismo proyecto crearon una de las colecciones más exitosas de la carrera de Schiaparelli.  

Desde ese momento, se le conoció como la diseñadora que unía el arte con la moda. Fue aceptada por el grupo de los surrealistas y le salieron millones de proyectos diferentes, todos ligados a lo que le gustaba: una moda fuera de lo común. 

¿Qué le debemos a Schiaparelli?

Sin ella no tendríamos los fashion shows ni las semanas de la moda.

Schiaparelli fue la primera diseñadora que le dio un nombre a los diseños de accesorios, bolsos y lentes. Además de la ropa, comenzó a promocionar otros de sus trabajos dándoles su nombre. Con el propósito de crear un impacto mayor, al momento de presentar sus colecciones, armaba un show -estilo fiesta temática-. Fue la primera que convirtió la moda en un evento y gracias a ella, hoy existen las pasarelas de moda y los famosos fashion shows.

Hoy es recordada como una de las diseñadoras más influyentes de la historia, aunque su imperio se ve eclipsado por el de Coco Chanel, fue tan revolucionaria en la historia de la moda que muchas de las tradiciones que se tienen en la actualidad son gracias a ella. Su reino no continuó como marca sin su presencia, al morir, donó todas sus pertenencias al Metropolitan Museum of Art (MET).

Del sexual Victoria’s Secret al inclusivo The VS Collective: Así será la nueva etapa de la mítica firma de lujo

Con el pasar de los años, los típicos estereotipos que marcaban pauta en el mundo han ido perdiendo vigencia, creyentes y su filosofía se ha ido desvirtuando. Y es que, con la llegada de movimientos más inclusivos; los arquetipos han ido desapareciendo. Una avalancha que acabó con la conocida firma de Victoria’s Secret que, ahora, evolucionará para convertirse en toda una marca diversa conocida como The VS Collective. Aquí los detalles.

Adiós escándalos, hola a un nuevo comienzo

Tras la llegada del movimiento #MeToo a la palestra, muchas fueron las figuras, los shows y las personalidades que, literalmente, se quedaron en la calle. Con el alza de cientos de voces que se unieron en un mismo propósito, el mundo vio nacer a una nueva era, en donde ser una modelo plus size estaba bien.

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De este modo, fue como vimos desplomarse un show que, desde mediados de los años 90; se convirtió en uno de los más populares y esperados de todos los años. Mismo en el que veíamos desfilar a las conocidas Angelitas del Victoria´s Secret y que, en un abrir y un cerrar de ojos, se convirtió en el centro de las críticas.

Y es que, gracias al pronunciamiento de muchos detractores; la firma debió reorganizarse para darle paso a una era más inclusiva, dejando de hipersexualizar su visión.

Ahora, ese proceso de reestructuración ha conllevado que la marca entre en una nueva era, en la que estrellas como Megan Rapinoe o la actriz Priyana Chopra serán las líderes de una perspectiva más fresca.

¿De qué tratará el The VS Collective?

Bajo el nombre de The VS Collective, un grupo de féminas trabajarán en conjunto con Victoria’s Secret en “colaboraciones, acuerdos de negocio e iniciativas para defender o promocionar distintas causas”. Esto según informó la firma a la prensa internacional.

Pero, como era de esperarse, el camino estará lleno de algunos obstáculos que le dificultarán su paso. Como es el hecho del surgir de nuevas propuestas, que le han puesto picardía a la palestra de la lencería, cambiando las reglas del juego.

Sin embargo, esta renovación parece tener un buen panorama. Pues tras el fichaje de Rapinoe, de 35 años; quien formó parte del equipo femenino de Estados Unidos, el cual ganó dos veces la Copa del Mundo de Fútbol; es elección perfecta. Pues también es conocida fuera del campo de juego, debido a su activismo político y defensa de los derechos de la comunidad LGBTQ+.

“Estoy ilusionada y lista para asociarme con Victoria’s Secret como parte del #TheVSCollective. Mujeres a las que admiro y que son íconos de nuestros tiempos. Tengo ganas de trabajar con ellas para mostrarles a TODAS las mujeres su belleza y poder individual y colectivo”, comentó la exjugadora mediante su cuenta en Twitter.

Además, con la llegada de nuevas embajadoras, no solo se busca tener un refrescamiento de imagen y concepto; sino también de reposicionar a una marca que se convirtió en un ícono para varias generaciones. Pero, el cambio cultural impulsado por el #MeToo y el surgir de nuevas empresas rivales; han impuesto una dura balanza de sobrepasar.

¿Tendrá éxito esta nueva etapa?

“No podría estar más encantado de liderar el trabajo para refrescar el posicionamiento de la marca, todo para hacerla más relevante, más inclusiva, más consistente con la actitud y el estilo de vida de la mujer moderna”, comentó Martin Waters, el director ejecutivo de la firma.

A su vez, el directivo agregó que, en esta ocasión, están en una transición desde “lo que quieren los hombres a lo que quieren las mujeres”.

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Victoria’s Secret entrará en una nueva etapa de reformulación de concepto

Por otro lado, según informó la marca exclusiva; la empresa no deja a un lado la idea de retomar el tradicional desfile anual, pero con una versión renovada. Asimismo, un portavoz de Victoria’s Secreto comentó que: “como marca de entretenimiento con una gran huella cultural, nos estamos reimaginando cómo será un espectáculo de moda en el futuro”.

No obstante, el cuarto director ejecutivo de la marca de lencería en 5 años, Waters; indicó al periódico The New York Times que, en estos momentos, no ve que las Angelitas sean “culturalmente relevantes”.

Y para seguir alejando esta idea, Rapinoe aprovechó de hablar sobre la imagen de la empresa en el pasado, describiéndola como “patriarcal y sexista”. Todo ello desde el punto de vista de “lo que significa ser sexy a través de la lente de los hombres y de lo que los hombres desean”, destacó.

¿Qué sucederá con la nueva versión de The VS Collective? Ya lo veremos. Por ahora, sabemos que tendrán un camino difícil por recorrer.

¡No más discordia! tras 12 años de polémicas, Carlos Baute pide perdón a su primogénito (+Todos los detalles)

Sin duda alguna, existen momentos y épocas especiales que fungen de forma perfecta para reconciliarnos, no solo con nosotros mismos, sino con nuestros seres queridos. Y ese ha sido el escenario que ha utilizado el cantante venezolano Carlos Baute quien, en el marco del Día del Padre, aprovechó la oportunidad de anunciar que había llegado a un acuerdo sincero con su hijo mayor, José Daniel Arellán. ¿Cómo fueron los hechos? Aquí te contamos.

El amor de padre e hijo lo puede todo

Tras 12 años de una batalla campal, de visitas al juzgado y de cientos de desencuentros, este domingo por la tarde el intérprete Carlos Baute sorprendió al público tras postear una fotografía junto a su primogénito. Mismo con quien había tenido varias polémicas en el pasado, pues no reconocía su paternidad.

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Celebrando hoy el día del padre, les comparto esta foto que me hace inmensamente feliz”, escribió el músico de 47 años, quien lució muy feliz junto a su hijo, José Daniel Arellán.

Fue, de este modo, como el venezolano decidió anunciar el inicio de una nueva etapa junto a su primogénito, limando las asperezas y sanando el corazón. “Después de tantos malentendidos por ambas partes, José Daniel y yo tenemos la relación padre e hijo que debió haber sido desde siempre”, agregó el cantante.

Además, el intérprete de “Colgando en tus manos” no dudó en pedirle disculpas, de forma pública, a Daniel a quien le indicó que, de ahora en adelante, “vamos a recuperar el tiempo perdido. Te quiero hijo”.

¿Cómo era el historial entre ambos?

Pero, ¿en qué punto fue que inició este conflicto entre familiares? Se trata de un largo historial que, lamentablemente, había sobrepuesto una nube negra sobre la familia Baute durante largos años. Aquí te contamos todo.

José Daniel, de 33 años; es el fruto del amor joven y fugaz entre el cantante y Nallera, justo cuando ambos tenían 15 y 14 años, respectivamente. Durante sus primeros años, Carlos no estuvo presente en la vida de su hijo, quien no tenía conocimiento de la verdadera identidad de su padre.

Luego de llegada la madurez a su puerta, el joven se fue a vivir a España en busca de una mejor calidad de vida. Fue entonces que, en el año 2009; logró conocer a su verdadero padre. Tres años más tarde, Baute lo reconoció de forma abierta como su hijo, pero su relación no fue la más cercana o la más cariñosa.

Tanto así que, en el 2013, fue el mismo juzgado que tuvo que reconocer a José Daniel como el hijo del músico. Y esto solo fue el inicio de una desencadenada serie de hechos que, lamentablemente, afectaron la reputación del cantante. Y es que, debido a su mala comunicación; Arellán decidió exigirle una pensión de alimentos a su padre por un monto de 900 euros al mes durante cinco años.

En aquel momento en que Baute reconoció a José Daniel, el joven mencionó que había quedado en shock, pues no esperaba una respuesta afirmativa tan pronto

«Siento vergüenza de que seas mi padre»

En total, unos 54 mil euros a los que Baute se negaba a proceder. Tras varios años de una dura batalla legal, en el 2016 el joven perdía aquella demanda, momento en el que dijo: “A día de hoy siento vergüenza de que seas mi padre”.

Todo ello mientras nacía el que sería su hermanastro, Markuss, el primero de los hijos del artista venezolano con la modelo letona Astrid Klissans, con quien contrajo nupcias en el 2011.

No obstante, de ahí la vida de Arellán no fue para mejor, pues le fue cuesta arriba poder salir adelante. Hasta ese entonces, el joven vivía en Baeza, Jaén; en compañía de su expareja. Según reportes, José Daniel tuvo que laborar en una gasolinera por horas, todo para sobrevivir y tratar de conseguir algunos euros para comerse el pan de cada día.

Fue en ese instante en el que, entre la búsqueda de compasión; el primogénito de Baute imploraba ayuda de su padre. “Ruego a mi papá que me ayude, tiene una solvencia económica suficiente como para hacerlo”, destacó hace un año en una entrevista con el diario La Razón.

A su vez, el hijo de Nallera argumentaba que él no buscaba ser mantenido por toda su vida, sino que solo necesitaba una mano amiga en momentos tan difíciles. “Quiero que se dé cuenta de que la estoy pasando muy mal”, afirmaba en junio del pasado 2020, instante en el que llegó a solicitar en los juzgados una pensión de 1.400 euros mensuales.

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El cantante venezolano agradeció, además, a su esposa por haberlo apoyado en este largo camino

Carlos Baute y su hijo dan un paso hacia la reconciliación

Para fortuna de ambos, a finales del año pasado; la reconciliación había llegado a subsanar los corazones de la familia Baute. Y es que, tal como indicó su abogado; ambas partes habían querido guardar silencia sobre dicho encuentro hasta hacerla pública ellos mismos.

De acuerdo a lo que confesó el defensor, ambos decidieron paralizar la parte legal en el momento en que “llegaron a un pacto. Pues era absurdo mantener un litigio donde había posibilidades de una reconciliación”, confesó.

“José Daniel es un hombre encantador que ha vivido una infancia muy dura. A ver si todo esto sirve de modelo, de paradigma, para que muchos padres y muchos hijos consigan tener esa relación”, apuntaba el abogado de Arellán, Fernando Osuna.

En definitiva, es el inicio de un nuevo capítulo para la familia Baute, una que recordarán por el resto de sus vidas.

Esta pizza la cocinan con lava volcánica (sí, en serio)

Las oportunidades de negocio se pueden encontrar en cualquier lugar y de formas poco tradicionales. ¿Qué pensarías si te dijeran que puedes disfrutar de una rica pizza cocinada en un río de lava volcánica? Pizza Pacaya permite que tus dudas desaparezcan y lo hace realidad. Aquí todo lo que debes saber.

Creatividad sin límites

¿Te provoca?

Mario David García Mansilla demuestra que los limites no existen con Pizza Pacaya, un emprendimiento que es fuera de lo convencional. El joven guatemalteco cocina sus pizzas con el calor del río de lava del volcán Pacaya, uno de los tres volcanes activos de Guatemala.

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¿Cómo empezó todo?

Una pizza diferente

García comenzó en 2014 con su emprendimiento. Al principio usaba unos hornos pequeños que se encuentran en la parte más baja del volcán, pero luego se dio cuenta que los guías llevaban a los visitantes a otro punto en el que había un sector con una temperatura perfecta para hornear.

Este descubrimiento lo hizo subir con todos sus ingredientes para preparar una pizza y obtuvo un resultado delicioso, gracias a los vapores naturales volcánicos. En este punto usa una bandeja que soporta una temperatura elevada para poder cocinar las pizzas sin problemas.

Además, por precaución, García utiliza ropa protectora que lo cubre por completo, así logra trabajar y no corre riesgos. El calor es tan fuerte que la pizza puede estar lista en 15 minutos o menos.

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Conocida por todos

Una experiencia que ninguno olvidará

Pizza Pacaya se ha convertido en un ícono para los turistas que van a dar un paseo por el volcán Pacaya. En los últimos tiempos, este emprendimiento ha ganado mayor cantidad de clientes debido a que se popularizó su forma original de cocción con lava volcánica.

En una entrevista para la AFP, Mario David comentó: “Muchas personas en la actualidad vienen a disfrutar de la experiencia de comer una pizza hecha a base de calor volcánico”.

La receptividad de las personas lo ha motivado a ofrecer nuevos platillos. Todo aquel que haga su recorrido puede disfrutar de una rica pizza, pasta, bebidas u otras opciones gastronómicas de la mano de este guatemalteco.